Trois go-go danseuses testostéronées, au volant de puissants bolides, tuent un jeune homme et kidnappent sa petite amie. Elles l’utilisent comme appât auprès d’un vieil infirme libidineux et de ses deux fils, dans le but de mettre la main sur leur magot.

Scénario minimal, casting réduit, décor unique, une recette que Russ Meyer décline avec application dans la plupart de ses films. Faster, Pussycat... est une série B réjouissante où les femmes sont fières, indomptables, dangereuses, et tiennent d’une main de fer un aréopage de mâles sous leur coupe réglée. Petit budget mais mise en scène dynamique, cadrages expressifs et photo contrastée, ne manquez pas ce mètre étalon du film d’exploitation qui a marqué de son empreinte tout le cinéma de la contre-culture américaine, et même au-delà.

Dans un univers post-apocalyptique fait de silences et de ruines, une petite fille conserve précieusement un œuf, devenu le dernier vestige de la vie et seule note d’espoir.

L’Oeuf de l’Ange est un poème visuel qui transcende l’animation pour devenir une profonde réflexion sur l’humanité et la foi. Esthétiquement éblouissant, le film mêle symbolisme chrétien et misanthropie, dépeignant une humanité en déclin tout en introduisant des êtres à part dont viendra le salut de notre espèce et la naissance d’une nouvelle forme de vie. Une œuvre stimulante, poétique et ouverte à l’interprétation qui résonne longtemps après le visionnage.

Après que leur avion se soit écrasé au fin fond de l’Alaska, le peu d’ouvriers survivants se fédère autour de John Ottway, un homme ravagé par le décès de sa femme, chargé de traquer les loups rodant autour du site pétrolier sur lequel travaille tout ce petit monde. Contraints de rester mobiles dans cet immense territoire de forêts et de reliefs montagneux enneigés, ils se retrouvent bientôt menacés et traqués par bien plus dangereux que le froid qui leur gèle les os, la faim qui les tenaille et les querelles intestines : des meutes de loups tout aussi affamés.

Survival nihiliste qui n’hésite jamais à regarder la mort dans les yeux, The Grey est sans doute le meilleur film de Joe Carnahan. Parcouru de fulgurances poétiques, de mélancolie perçante et de violence brutale, ce film à la mise en scène ample et élégante n’épargne aucun de ses personnages, tant sur le plan physique que moral. Au final ne restent que le vent glaçant et la neige maculée du sang de ces rescapés qui auront trouvé leur humanité de la plus cruelle des manières.

Deux jeunes couples américains en vacances à Cancun décident d’accompagner un touriste allemand dont l’ami semble avoir disparu près d’une pyramide Maya. Une fois sur place, ils se retrouvent bloqués au sommet de cette dernière alors que ni la population locale, ni la végétation environnante ne semblent apprécier leur intrusion dans ces ruines.

Huis clos concis et d’une implacable efficacité, cette série B assumée fait la part belle à la body horror et à des idées surprenantes quant à la menace qui guette ses protagonistes. La tension permanente et l’aspect bien sale des dégâts subis par les personnages témoignent de l’envie du réalisateur de ne rien épargner à ses spectateurs, fort malmenés par ce survival aussi cruel que dépaysant.

Sur le chemin des vacances dans le sud de la France, un couple néerlandais s'arrête sur une aire d’autoroute. Saskia, partie pour quelques emplettes à la boutique, tarde à revenir alors que Rex traîne près de leur voiture. Au bout d’une longue attente, il doit se rendre à l’évidence : sa compagne a disparu. Dès lors, trois ans durant, il poursuit une quête obsessionnelle, sacrifiant tout pour retrouver sa petite amie. Un jour, il reçoit une carte postale d'un inconnu lui promettant enfin la vérité sur ce drame.

Un film rare, thriller glacial sur le refus d’abandonner d'un homme qui s'est lui-même perdu, ainsi que sur le quotidien rigide et froid du très inquiétant personnage derrière la disparition de la jeune femme. George Sluizer fait ponctuellement glisser des instants de banalité dans la terreur insidieuse et le malaise ; de rêves en présages, d'avertissements en coïncidences, ce jeu tendu du chat et de la souris flirte avec les frontières du conte onirique. L'homme qui voulait savoir fait partie des rares films qui ont terrifié, mais surtout fasciné, Stanley Kubrick, tant par l'efficacité de son montage que de sa mise en scène.

Un littoral en bord de mer suscite la convoitise d’un promoteur véreux qui envisage d’y construire un juteux complexe immobilier. Il fait éliminer le seul obstacle à ses plans, un couple de pêcheurs récalcitrants. Laissée pour morte, la femme se réfugie d’abord chez des prostituées mais va progressivement se retrouver prisonnière de son inexorable destin.

Machisme de la société japonaise, bestialité des hommes, enjeux écologiques, corruption des politiques, autant de thèmes traités dans une histoire dense où l’eau et le sang servent de toile de fond à un récit empreint de désillusion et de tristesse, jusqu’à un final paroxystique et libérateur. Une petite perle du cinéma nippon aussi poétique et gore que brutale et féministe.

Le film retrace l'histoire hors norme de l'artiste Genesis Breyer P-Orridge et de sa femme et partenaire artistique, Lady Jaye, qui par amour ont décidé de se fondre en une seule entité. Artiste majeur de l'avant-garde des 50 dernières années, considéré comme l'un des pères de la musique industrielle, Genesis a défié les limites de l'art et de la biologie. En 2000, il débute une série d'opérations afin de ressembler trait pour trait à Lady Jaye, une performance risquée, ambitieuse et subversive. C’est cet acte ultime d'amour et de dévotion qu’il nous est donné d’observer ici.

Portrait envoûtant et poétique de Genesis P‑Orridge et Lady Jaye par Marie Losier, elle nous propose pour sa première création un film expérimental et intime sur la fusion de l'art, de l’amour et de la transformation. Indispensable pour explorer genre, musique et transgression.

En 1999, sur une planète jumelle de la Terre, trois adolescents exposés à un produit toxique découvrent qu’un simple éternuement les projette vingt ans plus tard dans leurs corps d’adultes. Entre désillusions, complot meurtrier et menaces d’un ennemi fantasque, ils se voient forcés d’accepter la mission inattendue de sauver le monde.

Ce premier film du jeune chinois Yang Li est unmaelstrom d'influences cross-media parfaitement digérées. Empruntant autant au manga qu'aux jeux vidéos, sans oublier de respecter les codes des films d'actions plus traditionnels, cette gourmande frénésie visuelle impose de laisser son cerveau à l'entrée de la salle pour se laisser porter au fil de ce grand roller-coaster émotionnel.

Après l'apocalypse civile au Kazakhstan, un évadé solitaire accepte de retrouver le fils d'une femme traumatisée par son enlèvement. Une hypothétique récompense mise à part, les motivations de l'homme sont incertaines et le duo doit remonter une piste le confrontant à des clans faisant régner la loi par la violence. Mais le Loup des Steppes a des méthodes suffisamment expéditives pour arriver à ses fins.

Le très prolifique Adilkhan Yerzhanov fait son western post-apocalyptique sans désert de sable ni punks bardés de cuir mais met en scène, dans des décors naturels grandioses, la dureté de l'état de guerre permanent, suffisamment proche des conflits actuels pour dépeindre un futur désolé mais crédible. Avare de dialogues, Steppenwolf ménage de grands moments d'action et de suspens soutenus par le jeu d’une poignée d'acteurs habités. Le bien n'existe pas, mais il est nécessaire.

Telepathic Letters propose une correspondance fictive entre Fernando Pessoa et H.P. Lovecraft. Le film tisse un dialogue dense et fascinant, mêlant extraits de lettres, essais, poèmes et œuvres de fiction. Le dispositif imaginé par Pêra transcende les limites temporelles et géographiques, confrontant la sensibilité poétique, introspective et fragmentée de Pessoa à l’horreur cosmique et l’angoisse existentielle qui caractérisent Lovecraft.

Ce film unique en son genre, entièrement créé en utilisant l’intelligence artificielle, fusionne la littérature, la technologie et le cinéma. L'usage que fait Pêra de cet outil pour interpréter visuellement la notion de correspondance donne au film une esthétique irréelle voire cauchemardesque. C’est d’ailleurs peut-être dans cette vallée de l’étrange générée par l’IA que se tapissent les horreurs du Maître de Providence.

Marie Losier plonge le spectateur au cœur de l’univers énigmatique de The Residents, collectif phare de l’avant-garde musicale américaine qui a, depuis un demi siècle, façonné le paysage underground par une exploration sonore radicale et une esthétique visuelle déconcertante.

Le film dévoile, à travers des archives inédites, la genèse et l’évolution de ce groupe insaisissable, révélant leur processus créatif hors normes, leur rejet du conformisme et leur quête constante de liberté artistique.

Oscillant entre documentaire expérimental et hommage poétique, Barking in the Dark offre un accès rare à l’intimité d’une légende qui a su préserver son mystère tout en influençant des générations de créateurs..

Un apiculteur et son cousin obsédés par les théories du complot et s’imaginant justiciers, kidnappent la directrice d’une grosse compagnie pharmaceutique, convaincus qu’elle est une extra terrestre déterminée à détruire la terre.

Yorgos Lanthimos revisite le sud-coréen Save the green planet, qui n’a malheureusement été exploité qu’en vidéo en France il y a vingt ans. A travers les figures de personnages ambigus, tiraillés sans cesse entre le Bien et le Mal, cette satire anticapitaliste à la sombre ironie explore la psyché de nos sociétés contemporaines. Porté par un casting habité, superbement photographié et brillamment écrit, ce surprenant Bugonia réussit à combiner film d’auteur exigeant et divertissement haut de gamme avec une rare élégance. Le réalisateur grec confirme ici ses qualités de fabuliste hors pair.

De l’aéroport de Beauvais à La Défense, accompagné de sa valise à roulettes, Darius traverse à pied campagnes et banlieues pour mener à bien, et sans empreinte carbone, une mystérieuse mission.

Benoît Delépine nous régale avec une œuvre audacieuse et engagée, soutenue par une esthétique brute et un regard acéré sur notre société. Il mêle ici habilement humour piquant et tendresse sincère où chaque plan nous plonge dans une expérience sensorielle, la nature s’imposant comme un personnage à part entière, reflétant les émotions et les luttes intérieures des personnages. L’ancien correspondant de Groland propose une fable moderne teintée d’humour et de poésie.

Un magicien de passage dans un hôtel le temps d'une nuit découvre rapidement qu'il a bien du mal à en trouver la sortie. Dans l'absurdité de sa situation, il fait la connaissance de résidents moins inquiets que lui, et de mystères en surprises cachés derrière les murs, sa décision est prise de rallier tout le monde à sa cause pour échapper au bâtiment.

La réalisatrice norvégienne Tallulah Hazekamp Schwab offre un écrin de première classe au jeu singulier de Crispin Glover. On le retrouve en grande forme dans ce rôle de chien venu bouleverser le jeu de quilles des habitudes et conventions hiérarchiques d'un autre espace-temps. Mr. K s'appuie non seulement sur l'œuvre de Kafka, mais aussi sur celle d'autres grands noms de la littérature étrange (on vous laisse la surprise), pour faire se télescoper magie, poésie et fantastique dans un véritable festin visuel et thématique.

Vincent travaille au sein d'une équipe de nuit sur le chantier d'un quartier innovant. Lorsqu’un ouvrier disparaît, lui et ses collègues suspectent le chef d’équipe d'avoir dissimulé son corps sur le site. Bientôt il est témoin de manifestations étranges sur le chantier et, à nouveau, un autre camarade disparaît.

Un film inquiétant et sincère ancré dans le réalisme social, auquel le réalisateur ajoute des éléments de thriller fantastique pour appuyer le parcours laborieux d'un ouvrier du bâtiment.

Hata a lui-même décrit l’univers de son premier film comme un lieu à part : "ce béton omniprésent, froid et minéral dont la poussière qui reste dans l'air, comme un brouillard toxique constant, s'insinue dans chaque fissure, menaçant de vous engloutir, tandis que le chantier géant continue de se développer encore et encore, à tout prix" .

Au XVIIe siècle, un village de Livonie dirigé par un clergé oppressif s'apprête à sombrer dans la dépravation. Accusée de sorcellerie, une servante devient le catalyseur d’un chaos sanglant lorsque surgit un homme se prétendant loup-garou, offrant à la communauté un présent obscène. Les habitants, alors libérés de toute morale, s’abandonnent à la luxure et la violence.

Oubliez les princesses en détresse et les preux chevaliers défiant les créatures légendaires, Dog of God retranscrit le versant sombre et sale du médiéval fantastique à la sauce lettone. Ce film d’animation mature montre les déboires d’un peuple dominé par une caste débauchée et débile, insouciante du sort des sans-dents jusqu’à ce que le surnaturel ne viennent renverser l’ordre des choses. Depuis Ralph Bakshi la réalisation en rotoscopie a bien évolué et, ici, le résultat est visuellement aussi troublant que époustouflant.

Le mari d'une salariée ayant succombé à la pollution à la poussière sur son lieu de travail découvre que l’âme de celle-ci habite un aspirateur fabriqué par la compagnie responsable de sa mort. Affrontant familles autoritaires, hommes politiques corrompus et religieux douteux, le couple va tout entreprendre pour être à nouveau réuni.

Cette comédie hors norme, surréaliste et poétique, est à la fois une réflexion profonde sur le deuil et la mémoire et un commentaire social et politique explicite sur la société thaïlandaise que le réalisateur fustige avec ironie mais sans lourdeur morale. Son film conjugue douceur et humanité, naïveté et lucidité, mélancolie et gravité, dans une lenteur toute asiatique où l’amour est plus fort que l’oubli. Une étonnante proposition, comme si Apitchatpong Weerasethakul et Roy Anderson avaient un fils caché.

Après un grave accident, Diana souffre d’amnésie. Son mari l’accompagne dans un centre isolé dont les thérapies expérimentales promettent une guérison certaine. Pourtant, à mesure que les traitements s’intensifient, d’étranges visions et des souvenirs fragmentés viennent la hanter, jusqu’à la faire douter des intentions de son époux comme de la réalité qui l’entoure.

Inspiré de l’esthétique de certains films fantastiques indépendants des années 70, Honey Bunch fonctionne complètement en vase clos et prend soin de développer un univers déroutant que ne renierait pas Peter Strickland. Ce thriller psychologique canadien, propre à régaler nos festivaliers les plus exigeants, parvient à prouver que l'horreur peut aussi parfois être touchante.

Marie Losier plonge le spectateur au cœur de l’univers énigmatique de The Residents, collectif phare de l’avant-garde musicale américaine qui a, depuis un demi siècle, façonné le paysage underground par une exploration sonore radicale et une esthétique visuelle déconcertante.

Le film dévoile, à travers des archives inédites, la genèse et l’évolution de ce groupe insaisissable, révélant leur processus créatif hors normes, leur rejet du conformisme et leur quête constante de liberté artistique.

Oscillant entre documentaire expérimental et hommage poétique, Barking in the Dark offre un accès rare à l’intimité d’une légende qui a su préserver son mystère tout en influençant des générations de créateurs..

Le film retrace l'histoire hors norme de l'artiste Genesis Breyer P-Orridge et de sa femme et partenaire artistique, Lady Jaye, qui par amour ont décidé de se fondre en une seule entité. Artiste majeur de l'avant-garde des 50 dernières années, considéré comme l'un des pères de la musique industrielle, Genesis a défié les limites de l'art et de la biologie. En 2000, il débute une série d'opérations afin de ressembler trait pour trait à Lady Jaye, une performance risquée, ambitieuse et subversive. C’est cet acte ultime d'amour et de dévotion qu’il nous est donné d’observer ici.

Portrait envoûtant et poétique de Genesis P‑Orridge et Lady Jaye par Marie Losier, elle nous propose pour sa première création un film expérimental et intime sur la fusion de l'art, de l’amour et de la transformation. Indispensable pour explorer genre, musique et transgression.

Après que leur avion se soit écrasé au fin fond de l’Alaska, le peu d’ouvriers survivants se fédère autour de John Ottway, un homme ravagé par le décès de sa femme, chargé de traquer les loups rodant autour du site pétrolier sur lequel travaille tout ce petit monde. Contraints de rester mobiles dans cet immense territoire de forêts et de reliefs montagneux enneigés, ils se retrouvent bientôt menacés et traqués par bien plus dangereux que le froid qui leur gèle les os, la faim qui les tenaille et les querelles intestines : des meutes de loups tout aussi affamés.

Survival nihiliste qui n’hésite jamais à regarder la mort dans les yeux, The Grey est sans doute le meilleur film de Joe Carnahan. Parcouru de fulgurances poétiques, de mélancolie perçante et de violence brutale, ce film à la mise en scène ample et élégante n’épargne aucun de ses personnages, tant sur le plan physique que moral. Au final ne restent que le vent glaçant et la neige maculée du sang de ces rescapés qui auront trouvé leur humanité de la plus cruelle des manières.

Deux jeunes couples américains en vacances à Cancun décident d’accompagner un touriste allemand dont l’ami semble avoir disparu près d’une pyramide Maya. Une fois sur place, ils se retrouvent bloqués au sommet de cette dernière alors que ni la population locale, ni la végétation environnante ne semblent apprécier leur intrusion dans ces ruines.

Huis clos concis et d’une implacable efficacité, cette série B assumée fait la part belle à la body horror et à des idées surprenantes quant à la menace qui guette ses protagonistes. La tension permanente et l’aspect bien sale des dégâts subis par les personnages témoignent de l’envie du réalisateur de ne rien épargner à ses spectateurs, fort malmenés par ce survival aussi cruel que dépaysant.

De l’enfance à l’âge adulte en passant par l’adolescence, Ana traverse trois âges marqués par la peur, le désir et les fantasmes. Entre souvenirs oppressants et visions troublantes, elle explore sa sensualité tourmentée et affronte ses démons intérieurs dans une quête énigmatique où le plaisir se mêle à la souffrance.

Dissection formelle du Giallo, genre cinématographique italien des années 70 mêlant enquête policière et horreur frontale empruntant parfois au surréalisme, cette œuvre atypique et baroque produite par François Cognard est un pur trip sensoriel. Une vision artistique intransigeante guide ce premier long métrage, constellé de références cinéphiliques mais très loin des sentiers balisés.

Baxter n’en peut plus de ses maîtres successifs qui lui imposent une vie loin de ses idéaux canins. Entre la vieille qui pue et le gentil couple qui l’oublie à l’arrivée d’un nouveau né à la faiblesse insupportable, il ne trouve pas sa place. Puis vient l’adoption par un pré-ado qui semble enfin le comprendre tout en le dominant fermement. Mais celui-ci s’intéresse peut-être trop à Hitler et Eva Braun pour être tout à fait bienveillant…

Pour son premier film adapté d’un roman fadasse qu’il transcende aisément, Jérôme Boivin, en nous permettant d’accéder aux pensées acides et désabusées de son personnage principal, nous livre un drôle d’objet aussi cruel et brutal que mélancolique et amer. Sous nos yeux, Baxter va progressivement s’humaniser au contact de la bestialité croissante de son nouveau petit maître, les dialogues poétiques de Jacques Audiard nous le rendant toujours plus attachant mais aussi terriblement vicieux.

Jake, jeune comédien au chômage souffrant de claustrophobie, occupe pendant quelques temps l'appartement outrageusement luxueux d'un ami. Profitant de la vue panoramique, il observe sa charmante voisine, Gloria, dont il ne tarde pas à tomber sous le charme. À force de l'épier, il assiste un jour à l'assassinat de la jeune femme...

Body Double de Brian De Palma est une pièce maîtresse du cinéma de genre, alliant habilement thriller psychologique et érotisme trouble. S’inscrivant dans la lignée d’Hitchcock, le cinéaste explore le voyeurisme avec une audace déconcertante, jouant sur le concept des masques de par l’ambivalence de certains personnages. A travers une machination diabolique, c’est le spectateur lui-même qui est confronté à sa fascination et son voyeurisme pour l’intimité des autres, la mise en scène baroque et la bande-son envoûtante renforçant cette expérience immersive. Les références au cinéma érotique des années 80 finissent d’en faire une œuvre provocatrice inoubliable.

De l’aéroport de Beauvais à La Défense, accompagné de sa valise à roulettes, Darius traverse à pied campagnes et banlieues pour mener à bien, et sans empreinte carbone, une mystérieuse mission.

Benoît Delépine nous régale avec une œuvre audacieuse et engagée, soutenue par une esthétique brute et un regard acéré sur notre société. Il mêle ici habilement humour piquant et tendresse sincère où chaque plan nous plonge dans une expérience sensorielle, la nature s’imposant comme un personnage à part entière, reflétant les émotions et les luttes intérieures des personnages. L’ancien correspondant de Groland propose une fable moderne teintée d’humour et de poésie.

Un magicien de passage dans un hôtel le temps d'une nuit découvre rapidement qu'il a bien du mal à en trouver la sortie. Dans l'absurdité de sa situation, il fait la connaissance de résidents moins inquiets que lui, et de mystères en surprises cachés derrière les murs, sa décision est prise de rallier tout le monde à sa cause pour échapper au bâtiment.

La réalisatrice norvégienne Tallulah Hazekamp Schwab offre un écrin de première classe au jeu singulier de Crispin Glover. On le retrouve en grande forme dans ce rôle de chien venu bouleverser le jeu de quilles des habitudes et conventions hiérarchiques d'un autre espace-temps. Mr. K s'appuie non seulement sur l'œuvre de Kafka, mais aussi sur celle d'autres grands noms de la littérature étrange (on vous laisse la surprise), pour faire se télescoper magie, poésie et fantastique dans un véritable festin visuel et thématique.