Dans le nord-est de la Thaïlande où le monde des esprits irradie la culture, une équipe de film partie tourner un documentaire sur le chamanisme, se trouve confrontée à la possession d’un des membres de la famille d’une shaman par un démon terrifiant, et nous fait rentrer lentement dans un cauchemar sans porte de sortie.

Produit par le réalisateur coréen Na Hong-jin, qui poursuit son exploration du surnaturel amorcée avec The Strangers, et précédé d’une réputation sulfureuse, ce petit cousin thaïlandais de L’Exorciste et de Blair Witch à la lenteur très asiatique a reçu de multiples prix dans les festivals, récompensant ainsi une nouvelle vision de l’horreur au cinéma. 

Un gang de jeunes dévotes lance des expéditions punitives contre les femmes qu’elles jugent impures. Mais à la suite d’un incident, les certitudes vont se fissurer…

Avec un goût prononcé pour l’étrange, la métaphore et les symboles (dont le titre faisant évidemment référence à la créature mythologique), Medusa interpelle le spectateur, l’emmenant dans des terres à la fois singulièrement familières et effrayantes. Mais si l’on accepte le bizarre sans chercher à tout expliquer, il reste beaucoup de choses à retirer de cette œuvre pop et jubilatoire. Avec son deuxième long métrage, Anita Rocha da Silveira (Mate-me por favor) attaque frontalement le péril de l’extrémisme évangélique dans le Brésil rétrograde de Bolsonaro. 

Les enfants sont-ils méchants ? Le film pourrait se passer n’importe où : quelques immeubles, à la lisière d’une forêt, avec un petit plan d’eau.
On y suit quatre enfants désoeuvrés à travers des halls d’immeubles. Ils se découvrent d’étranges pouvoirs psychiques, qu’ils utilisent innocemment dans leurs jeux, loin du regard des adultes. Puis leurs distractions prennent peu à peu une tournure inquiétante.

Dans son deuxième long métrage, Eskil Vogt nous plonge dans une ambiance à mi-chemin entre le conte merveilleux et un réalisme clinique, voisin des premiers films de David Cronenberg.

Un humanoïde high-tech, chargé de ramener des informations nécessaires à la survie de l’espèce humaine, est plongé dans les angoissants sous-sols d’un monde post-apocalyptique, peuplé de créatures répugnantes et agressives.

Vous l’avez peut-être découvert au Festival du court métrage de Clermont-Ferrand en 2014 où il avait obtenu le prix du meilleur film d’animation, Junk Head revient dans une version «bigger and louder» ! Un “one-man band work” cyberpunk car presque tout - du scénario jusqu’à la composition de musique - a été mené de main de maître par son réalisateur Takahide Hori. 

Marcel Bellmer, écrivain, ne trouve plus l’inspiration depuis son premier roman à succès. Il emménage avec sa femme, l’éditrice Jeanne Drahi, et leur fille, dans l’immense demeure familiale dont ils viennent d’hériter. Mais une étrange jeune fille, Gloria, va s’immiscer dans la vie de la famille et déclencher une série d’événements inexorables...

Deux ans après avoir clôturé sa « trilogie ardennaise » avec Adoration, que nous avions eu le plaisir de vous présenter lors de notre précédente édition, Fabrice Du Welz revient avec Inexorable, un thriller oppressant qui se veut une nouvelle étape dans la carrière du réalisateur belge : «Ça doit rester chargé de chair, de sensualité, de trouble, d’ambiguïté, de tensions». 

Cantal, 1905. Le jeune Bruno Reidal se rend à la police après avoir tué de manière pulsionnelle un enfant. Pour tenter de comprendre son geste, des médecins lui demandent d’écrire ses mémoires.

Attention, film choc ! En adaptant un fait divers du début du siècle, Vincent le Port peint le portrait cru et âpre d’un jeune homme en lutte constante avec ses pulsions, magistralement interprété par Dimitri Doré. Une plongée au cœur du mal qui prend aux tripes !

Au cœur de l’espace intersidéral, dans un vaisseau spatial, les sept membres d’équipage tout juste sortis d’une cryogénisation ne savent plus ni où ils sont, ni où ils vont, ni d’où ils viennent. Entre dédale de couloirs, cellules de travail, salle de boxe, sauna et lounge, nos voyageurs spatiaux cherchent à percer le mystère de la condition de l’homme perdu au milieu de l’univers.

Ce drame cosmique mêlant poésie, burlesque et questionnement métaphysique est un pari culotté à l’heure où la science-fiction a depuis longtemps rendu les armes au genre du film d’action. D’autant plus osé que la cinématographie française s’est de longue date interdite d’explorer ces lointaines contrées stellaires. Un OCNI, Objet Cinématographique Non Identifié où les acteurs, tous excellents, nous entraînent dans une aventure filmosophique. 

Deux vaisseaux spatiaux sont envoyés explorer la mystérieuse planète Aura. Rapidement, le premier arrivé ne répond plus. À l’atterrissage, les membres de l’équipage du deuxième vaisseau deviennent fous et commencent à s’entretuer. Peu à peu, les explorateurs réalisent que d’autres êtres vivants sont présents sur cette planète et cherchent à les tuer pour s’emparer de leur corps et s’échapper de leur planète à l’agonie.

Longtemps oublié, Nicolas Winding Refn décrit La Planète des Vampires comme «un chef d’œuvre de la science-fiction». Cette œuvre à part dans la filmographie de Mario Bava, probablement sa plus pop avec Opération Peur, nous fait voyager dans des paysages fantasmagoriques aux décors surnaturels et géométriques dans lesquels les corps érotisés des protagonistes se fondent dans une flamboyante féérie de couleurs. La preuve que l’on peut tirer le maximum d’un budget ridicule de 20 000 dollars tant que l’imagination est au pouvoir.

Ikarie XB1 est l’adaptation d’un roman de Stanislas Lem (l’auteur de Solaris), dans lequel, en 2163, un groupe de scientifiques part dans l’univers à la recherche d’une vie extraterrestre, à bord d’un vaisseau au design épuré, régi par une intelligence artificielle.

Ce film tchèque dont une version restaurée a été présentée au Festival de Cannes en 2016 est aujourd’hui considéré comme l’un des meilleurs films de science-fiction du bloc de l’Est. Connu pour avoir influencé Kubrick pour 2001, Ridley Scott pour Alien, ou Tarkovski pour Solaris, il est matriciel d’une grande partie du cinéma de SF moderne. Tourné dans un noir et blanc expressionniste que les cinéastes d’Europe de l’Est maniaient avec brio et qui met en valeur ses décors géométriques, son aspect naïf et suranné participe d’une poésie que l’on ne retrouve plus dans les productions contemporaines.